CONTEMPORÁNEO I

ESCULTURA CONTEMPORÁNEA

 Cristina Planas

 Cristina Planas, sólida, contundente terrenal, en ella no hay evasión sino reanimación. Más que espiritualidad ella tiende al desenfreno, porque esta proliferación de elementos fálicos que toma como pretexto el plátano, esa simbólica castración del hombre con una risa de la mujer que engulle la fruta, convierte a Cristina Planas en una escultora de extremo interés,. Dentro de la nueva hornada de escultores peruanos hay pocos que tengan tanto que decir y que lo hagan de un modo tal que el concepto no niega la ironía ni el sexo. Por eso Cristina Planas es una escultora cuyo futuro debe ser atendido.

GEORGE CLARKE

"Perdiendo el tiempo" es una instalación de trabajos escultóricos de George Clarke que, bajo la apariencia de la representación como opción artística, introduce una sensibilidad propia de un memento morí o recordatorio de la condición mortal del hombre y la mujer, en combinación con la realización de discretas puestas de escena de instantes anodinos, vividos o percibidos diariamente. Esta elección de comunicar el presentimiento de un final, en el que confluye el fin de siglo -evento escatológico moderno- y la anticipación del propio fin individual, evidentemente privilegia el tiempo y hace de él único actor o único detonante conceptual, según quiera vérsele, de la muestra.

Pese a estar poblada con un cierto número de figuras, la instalación parece ser por momentos un gran y simbólico desierto de tiempo, en el que potencialmente todo es espera y en el que todo puede suceder. Por eso puede decirse que el tiempo que corre visiblemente en la instalación se encarga de rebatir la percepción que el observador puede desarrollar acerca del carácter anodino de lo escenificado.

JOHANNA HAMANN

El arte de Johanna Hamann participa dialécticamente de dos principios sin comprometerse unilateralmente con ninguno de ellos. Dos pares de opuestos (idealidad y realidad; materia y espíritu; libertad y opresión; destrucción y creación) que podrían contraponerse planteando una. Estética de la dualidad y sus dramáticos conflictos. Sin embargo, este esquema conceptual aunque se aproxime, no logra. Abarcar aspectos esenciales de su exhaustivo trabajo. Sobre todo en lo que se refiere a la creación de obras de arte (validas por sí mismas), donde la. sensibilidad, la. Imaginación y un sentimiento trágico de la realidad interactúan,

El fierro o el Serrucho que atraviesa y desgarra la madera o la piedra, que penetra y descompone un cuerpo humano, es como un símbolo de una situación social e histórica, pero también de una condición humana (arque-típica) que Johanna Hamann expresa intensamente en sus esculturas. No como resignación o nihilismo, sino siempre a través de la paradoja y la belleza del arte -como en una crucifixión- pero en términos de los instintos y de la existencia, afirmando lo que somos: seres en un proceso de destrucción, confrontados con la precariedad y la muerte, mientras la resistencia vital y la creatividad se oponen, creando el momento de la tensión que las trasciende, revelándonos la dignidad de la vida y, al mismo tiempo, al arte como su expresión cultural más profunda y compleja.

ELIANA MABIRE

Los objetos de Eliana Mabire nos propulsan dentro de un universo mágico, un reino maravilloso y encantado en el que uno descubre seres de madera que nos hacen signos. A través de estas esculturas reencontramos lo esencial en la magia de la infancia. Personajes ornados con plumas emergiendo de lo imaginario o de una leyenda pasada: carruseles, cajas de música, etc.…

Lo original en este sistema de trabajo es la diversidad de materiales y técnicas utilizadas. La obra oscila entre un arte bruto, virgen de toda ornamentación, y una puesta en escena barroca. Los seres y los objetos que ella misma anima son de madera "bruta" por excelencia. Pero a Eliana Mabire el oro, las piedras preciosas, las plumas… Toda su obra pone en evidencia la dualidad de materiales, situándose en el límite de lo artesanal, de las técnicas antiguas y el modernismo. En efecto, para dar movimiento a los personajes deja entrever los hilos y cables, conservando la idea del "títere" Pero luego incluye un motor que pondrá en movimiento al objeto acercándonos a la idea del robot.

NANI CÁRDENAS

Sin romper el compromiso con la realidad inmediata, las esculturas en madera y bronce de Nani Cárdenas plantean un retorno a las fuentes primarias de la creación: mujer, hombre, niño. En este cosmos protagonizado por la pareja y el niño, la intimidad del ser humano y la búsqueda de la esencia de la vida se juntan en una única gran metáfora que es al mismo tiempo autobiografía y cuestionamiento. Lo que se inicia con el placer de la vista - obras bellas y armónicas, cálido cromatismo - desarrolla una intertextualidad simbólica, sintética y corpórea a la vez. El sentido íntimo e introspectivo percibido desde el primer momento se vuelve reflexivo y poético, trascendental como idea y forma.

Surgen en toda su complejidad los motivos del amor, del deseo, de la ambivalencia de la creación y la destrucción, del contacto entre el mundo interior y exterior, del reinicio a partir de la fuerza del inconsciente. Envolvimiento y desnudez, muerte y renacimiento, la asociación Eros - Thanatos despliega sus misteriosas formas y advertencias, en una refinada coincidencia oppositorum que exaltan la espiritualidad

Claudia salem

 Maderas que son retratos, que a la vez son amuletos, denuncias, Purgas, testimonios. Sirven para soñar, pedir, Manipular, jugar. Adobes, ruinas, muros que alguna vez oyeron, figuras que repiten lo irrepetible, evocando lo extraordinario de un pasado histórico, compartido, tanto como cotidiano de la historia familiar, íntima. Esconden, tras la simplicidad de su revelación, lo único verdadero, esencial y trascendente: la relación directa que existe entre lo más profundo de la intimidad de un individuo y la de todos los demás. Para Claudia Salem, es éste el fundamento del impulso creativo, los conceptos, las formas, las palabras sólo son instrumentos que nos trasladan, inevitablemente, a un momento en el que el miedo, la fe y la necesidad de buscar una explicación al mundo eran el principio de todo: arte, religión y supervivencia, lo mismo, indisolubles.

 Las esculturas de Claudia salem contienen un intenso silencio y nos instalan -con la sensatez, pasión y fe del hombre primitivo- en la primicia del recuerdo, fundamento de cualquier intento de vinculación simbólica con la condición humana. Cada retrato es una estaca en el tiempo. El hombre se rebela y se revela a través del arte: sus obras, imagen de sus afectos, conjuran de una vez y para siempre el desafío de su fugacidad.

PINTURA CONTEMPORÁNEA

FITO ESPINOZA

Desde su egreso de la Universidad Católica Fito Espinoza había manifestado las cualidades que se requieren para ser un buen pintor. En ese entonces, como ahora, sobresalían un inusitado oficio y un distanciamiento de las expansiones expresionistas de sus compañeros de generación. Lo primero a conducido a que en el lapso de estos años Espinoza sea el artista joven que con mayor seguridad se ha ido afianzando dentro del ámbito local.

En estos cuadros de sutilezas e impactos, que el pintor asume como experiencia acumulada.

Se pueden apreciar nuevas indagaciones, como ocurre con la luminosidad que inunda las superficies, que escruta cada fragmento del cuadro y la invención de nuevas formas derivadas del cuerpo humano.

Por eso, lo valioso de Fito Espinoza, entre muchas otras cosas, radica no solo en la calidad de su factura, sino también en el despojamiento de la estridencia, en su renuncia al impacto fácil, y en su revalorización del espíritu a través de la reproducción de nuestro cuerpo.

GERARDO CHAVEZ

 El dibujo es la base primordial de mi pintura, es imprescindible para mí, realizar una serie de croquis antes de componer el ambiente general de mi cuadro. Una vez iniciada esta primera etapa yo me doy con seguridad a ver claro los personajes mutantes que me exijo en ese momento.

Aparecen pues una serie de formas retorcidas o extrañas que son hechas con el fin de escapar de cierta realidad ya establecida. El color hace parte de ello a medida que las figuras van buscando su ambiente; yo creo que el color viene ligado a cada forma como una complicidad de gusto.
Hoy yo me dedico a recrear una serie de objetos entrelazados o formas anatómicas que van sin duda a darme un personaje extraño o inquietante. Resultando así el elemento más importante de mi pintura o sea lo inquietante.
La rueda aparece en muchos de mis cuadros como también una serie de exaltados pechos y muslos provocantes, entrelazados de animales diabólicos maliciosamente agresivos o gentiles; en muchos de los casos identificándose al sexo o al hombre.

GRIMANESA AMORÓS

Toda Obra de Grimanesa Amorós gira alrededor de la figura humana y la naturaleza. Es su manera de defender el delicado equilibrio que existe entre la humanidad y los vitales recursos que la sustentan. Se ha compenetrado tanto con esta temática que algunas de sus imágenes proyectan una naturaleza humanizada cuyos figuras de músculos arbóreos están esculpidos en madera o modelados con los bejucos y el follaje de la selva húmeda en nuestra América tropical.

A través de su carrera artística, Grimanesa ha sostenido permanente interés por la experimentación. Si en años anteriores sus escenas de amantes las enmarcaba una atmósfera renacentista que recordaba a Tiziano aunque con el acento expresionista de la pincelada suelta y los colores enfáticos, más tarde empezó a conjurar imágenes gigantescas trazadas con líneas gruesas en donde se destacan el negro y los matices de colores tierra, en especial el ocre, en tanto que las manchas de blanco da una luminosidad extraña a sus personajes.

Su obra se ha caracterizado también por la texturación que imprime a las superficies. En algunos de sus series anteriores encontramos hojas, ramas, paja, troncos o ilustraciones de revista encolados al lienzo, a tal punto que a veces la pintura alcanza cierta tridimensionalidad. En su más reciente producción, insiste en esta búsqueda, excepto que ahora la obtiene con una combinación de elementos que incluyen una amplia gama de técnicas: Desde espátula, chorreado, brocha, goteado o raspado, hasta la utilización de los instrumentos más insólitos para alcanzar esas texturas de enmarañadas sugerencias.

Su actual pintura de grandes cabezas humanas, recuerda los frescos romanos o los torsos griegos, aunque también la intrincada pintura de Oscar Kokoschka, solo que ahora la envuelve una atmósfera oscura que presagia tormentas, y no es para menos. Todo arte está inmerso en las circunstancias sociales de su tiempo, y es ésta una época de convulsiones que de algún modo ha de repercutir en la obra artística. La pintura de Grimanesa vibra con el soplo vital de una fauna escondida en el follaje y la enérgica materialización de sus más inquietantes reflexiones

Mariella Agois

Desde hace algún tiempo lo textil en tanto modo de construcción visual, fuente que pueda servir para alimentar la dimensión de un lenguaje pictórico propio, ha sido el principal interés de Agois.

La obra de Agois supone una etapa de tránsito en la relación que ella ha establecido con esa fuente principal y demuestra, de alguna manera, la mayor libertad que detenta actualmente Agois para servirse de ella. Ese universo apropiado ha sido asimilado o deglutido de manera tal que ahora interviene espontánea y naturalmente en la solución de sus cuadros.

Incorporado a su pintura, lo textil se impuso en el universo particular de Mariella Agois como elemento de su vocabulario, es decir, como un motivo pictórico, y lo hizo con tal fuerza que opacó el papel protagónico que jugaba como modo de la construcción de la imagen. Agois, efectivamente,

DIBUJO CONTEMPORANEO

ALBERTO QUINTANILLA

Nació el 29 de abril de 1934 en el Cuzco. Es el primer hijo de los trece que tuvieron Alberto Quintanilla Montesinos y María Jesús del Mar Dueñas. Comenzó a pintar y modelar a los 4 años. Perteneció a la llamada "promoción dorada" de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, que dio como fruto a otros pintores destacados: Tilsa Tsuchiya, Galdos Rivas, Gerardo Chávez, Alfredo Vasurco y Osvaldo Sagastegui. El 21 de abril de 1971 se casó en París con la médico francesa Hélène Chatenet, con quien tuvo tres hijos. Vive por estaciones entre sus dos patrias: en su casa-taller de Lima - Perú y Le Plessis Robinson en Francia. Sin embargo, ha guardado su nacionalidad peruana por convicción. En 2008 la Universidad Alas Peruanas, le publica un libro en honor sobre su obra completa titulado simplemente "Quintanilla"

FERNANDO GUEMBES

Fernando Guembes nació en Lima, Perú en 1956.

Arquitecto y dibujante. Su obra tiene como base el dibujo a tinta sobre papel, medio con el cual plasma zaguanes, puentes, balcones, patios y otros espacios arquitectónicos, así como personajes y bailarines inspirados en la marinera

Estudió Arquitectura enla Universidad RicardoPalma y obtuvo un Posgrado en Conservación y restauración de centros históricos

Ha presentado diversas exposiciones individuales nacionales e internacionales, de las que destaca la del Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú PUCP, Lima y Embrujo Criollo en el Centro Cultural Inca Garcilaso del Ministerio de Relaciones Exteriores, Lima (2008).

Ha recibido premios, reconocimientos y menciones en el Perú y el extranjero.

CERÁMICA CONTEMPORANEA

MARIAELENA ALVARADO

 La muestra y su titulo parecen asediar un vacío, del cual solo intuimos rastros que sugieren un tiempo y un lugar en los que algo pasó. Evidencia oscura de una clara certeza, la exposición establece también una analogía con un escenario policial que nos lleva a un terreno de lo deductivo. María Elena Alvarado va más allá. "Evidencia" escapa a la competencia de lo policial, trasciende la reconstrucción mental de hechos de los que no hemos de los que no hemos sido testigos; se hurta a la lógica de nuestra mirada. El conjunto de obras nos sumerge en el vacío de esa laguna: sea lo que sea, hay que ir ahí. 

Armas tal vez homicidas, víctimas probables, fragmentos yacen entre otras imágenes recurrentes en sus piezas. Revelan un encuentro que no se dio, pero que sin embargo está registrado. Los episodios violentos sugeridos en esta exposición muestran que ese encuentro no se da, que algo se nos pasa de largo. Algo tan desbordante real que es imposible manejarlo. El encuentro fallido con lo real que se presenta en la forma inasimilable del trauma gravita en estas obras que aluden y encarnan eses registro postevento de lo real y marcan una ruptura con el tiempo. María Elena Alvarado construye con su obra la trampa con la que captura un pasado ausente siempre en acecho, porque nunca deja de pasar.

 DEBORAH TRAHTENBERG

 La trayectoria de Deborah Trahtenberg es un periplo entre los mitos y la realidad, expresando a través de símbolos de una visión en la cual se manifiesta ese mundo al que sólo se puede acceder a través de la imaginación y de la iniciación.
Trahtenberg es una ceramista de refinamientos. Esto puede apreciarse a través del tratamiento de la materia y los esmaltes, los colores que ella privilegia y, particularmente, todo su concepto de cómo el arte tiende a mostrar el interior de nuestras vidas. Este hecho se vislumbra en el desgarramiento de sus máscaras, las cuales, paulatinamente, fueron transformándose en cabezas y cuerpos que se abran a la mirada del espectador. Los trabajos presentados para el Salón Regional de la Bienal de Lima son conjuntos escultóricos. El primero de ellos nos presenta una multiplicidad de cabezas clavas, que al ser ensambladas al bronce permite una rítmica sucesión, a modo de un ábaco, cuyas piezas son cabezas clavas que adquieren un movimiento giratorio, capaz de dar la sensación de articulaciones óseas en movimiento.

La otra vertiente es más intima, muy relacionada con la relación sumisión-subversión. La artista convierte en emblemas los cuerpos femeninos y, literalmente, los ata a ese muro de arcilla sobre el cual permanecen aprisionados. La voluptuosidad del cuerpo queda así condenada a la opresión de la materia.
Son estas las obras que muestran la sutileza y la versatilidad de una de las artistas que en nuestro medio han sabido usar la tierra, el fuego y el color, para transformarlo en metáforas de su mundo interior.

CONCEPTUAL CONTEMPORANEO

ALBERTO CASARI

Estudios de Letras en la Pontificia Universidad Católica de Lima de 1973 a 1975, y de Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima entre 1975 y1977. En 1978 se encuentra en Rio de janeiro, donde frecuenta la Escola de Artes Visuais.

Viaja a Europa en 1979 y se establece en Paris y luego en Florencia. Vive y trabaja en esta ciudad desde 1982 hasta 1996. En 1994, siempre en Florencia, funda PPPP junto con Alfredo Covarrubias. Regresa a Perú en 1996.

CECILIA NORIEGA

Haciéndose eco de estas convicciones, algunos teóricos del arte latinoamericano ya a mediados de los años 70 y durante los 80, intentaron un enfoque sociológico que lograba combinar la crítica de las ideologías con aspectos económicos del circuito o recorrido social de la mercancía llamada arte: del taller a la sala de exhibición, y de ésta al coleccionista. Ahora bien, si bien es cierto que tales enfoques se centraban más en estos aspectos estructurales, no es menos cierto que de vez en cuando lograban dar ciertas características del tipo de gente y de la subjetividad de quienes participaban en esta actividad: "las clases dominantes del sXX no hacen sino interiorizar el exilio de los pintores" (Mirko Lauer, 1976), un exilio que puede entenderse si se lo enmarca en el contexto de una sociedad cuyos valores culturales más extendidos son otros.